Dirección de Arte de un cortometraje

"REVENGE"

A lo largo de esta entrada trataré el desarrollo del concepto  estético general de la dirección de Arte de un cortometraje, que se encuentra ahora en fase de posproducción: “Revenge”. Un cortometraje dirigido por Miguel A. Postigo y que ha contado con el exquisito casting de Antón González. Las fotos que ilustrarán esta entrada pertenecen al "making off" (Pelayo Alvarez) de la peli, no han pasado por el etalonaje por lo que no corresponden con el resultado real. Éste es solo el punto de partida del proceso creativo del Arte de este cortometraje.

1. Concepto estético general

¿Lo primero primerísimo? Interiorizar el guión de Revenge, empaparme de la historia y de los personajes. Conocer perfectamente no solo la historia si no a los personajes y su trasfondo psicológico, es lo que te da las claves para  la atmósfera narrativa más reveladora.
Después de leer el guión se entiende que esta historia aunque se enmarca dentro de la temática del maltrato infantil, no es un drama sobre violencia doméstica, sino una historia sobre venganza. Trato de elegir siempre un estandarte que me guíe a lo largo del proceso, para no perder el punto de mira que considero adecuado y conseguir un concepto cerrado cuyas partes sumen a un sentido estético directo y coherente. El protagonista de esta historia es Oscar, un niño que durante toda su infancia sufre el maltrato y acoso de su padre hacia él, su madre y su hermano   pequeño, Sergi. La historia del cortometraje comienza años después del abandono de la madre. La convivencia del hogar se sostiene bajo la dictadura de un padre desequilibrado y alcohólico. En su infancia Sergi es maltratado por esta figura hasta dejarlo en un estado de shock permanente por el que pierde su independencia vital. Los actos de Mateo lo conducen irremediablemente a la cárcel. Oscar sin la confianza ni fortaleza suficiente para enfrentarse a su padre, vive reprimido durante ocho duros años que van forjando en lo más profundo de él un abrasador deseo de venganza.

Como amante de la fotografía de Kieslowski (con el extraordinario talento de Sławomir Idziak, al que siempre se le olvida) me gusta jugar con el simbolismo del color. Cómo en "Bleu" con ese uso excesivo y oportuno del azul, que te llevan a deprimirte con la protagonista en algunos momentos del film y que te deja la sensación de haber estado debajo de su piel. Por lo que antes de desarrollar un concepto concreto para el set de cada localización, defino una línea estética general que incluya el tratamiento del color en la dirección de Arte. Lo primero es hablar con el director del tipo de fotografía con el que se va a rodar (incluyendo el tratamiento del color planeado para la posproducción) y de los límites creativos que me ofrece. No me basta con conocer el tipo de cine que hace el director porque, por ejemplo, hay veces que un director que hace una fotografía independiente decide probar con algo más comercial, como ocurrió en el caso de Revenge.

Para el color me centré en el trasfondo psicológico del protagonista alrededor del que gira la historia: Oscar. Hablamos de un niño que pasa gran parte su infancia esperando a crecer para ser lo suficientemente grande y fuerte como para enfrentarse al hombre que hace de su vida un infierno. Un adolescente que espera durante ocho años a que éste salga de la cárcel para vengar a su hermano pequeño hospitalizado, aquel al que falló en su promesa de protegerlo. Un chico que con la más amarga de las esperanzas, espera el momento justo para vengarse y liberarse por fin. Por este motivo indudablemente el color debía ir en la gama desde el verde oscuro, asociado entre otras cosas a la negatividad, hasta el verde limón, que refleja un poderoso superego de tipo autoritario. El verde oscuro representa el principio de la muerte y la negación de la vida y la alegría. Y el amarillo hacia el que tiende el verde lima, esta asociado al deseo de liberación.  Según estudios sensoriales del color, cuando se juntan el verde y el amarillo, como he tratado de hacer, pueden despertar sentimientos de resentimiento. Me gusta pensar que un especial tratado del color puede generar las sensaciones concretas que necesita la recepción de una historia determinada. Aunque el verde está asociado a aspectos positivos como la capacidad de alimentar, cuidar y proteger, un exceso de éste color puede significar el estar excesivamente controlados por los valores de nuestro padres (materialmente el verde se forma del amarillo, padre, y el azul, madre), en detrimento de nuestra propia autonomía. Por eso el verde limón pone en evidencia un conflicto en la fase del desarrollo, que este caso se referiría al desarrollo del crecimiento de Oscar. Y el verde oscuro es perfecto para representar un personaje con tendencia a la rigidez y a preocuparse en exceso por los demás, en este caso su hermano Sergi.

Teniendo en cuenta que el deseo del director era hacer algo que fuera un poco más comercial que lo que había venido haciendo, el uso del color no aparece como algo sobresaliente ya que en este caso no debía sobresalir excesivamente el arte sobre el resto de los elementos de la composición del vídeo. Por este motivo el concepto estético final se presenta como la suma del concepto de territorio hostil más pinceladas de estos matices de color. Una vez justificado el color que intenté trazar en el decorado y el vestuario (Mayte Luengo vestuario), me gustaría aclarar a que me refiero con el otro sumando: el concepto de territorio hostil. El corto consta de tres localizaciones, pero una de ellas es donde realmente ocurre la historia, la acción: la casa (Set- casa de Mateo). Este espacio además sufre una transformación de la que se desarrolla más adelante en el proceso y que estaría dentro del tratado del paso del tiempo. Para el concepto de territorio hostil teniendo en cuenta género y el ritmo que el director quería y partiendo de un producto comercial, intenté crear una atmósfera asfixiante. 

El hogar de una familia rota y desencajada por la violencia, debía aspirar a oler mal a través de la pantalla. Mi propósito era que  se percibiera la humedad del lugar, la suciedad de todo lo que ocurre allí a través de la composición del decorado, los colores tierra (y verdes por supuesto) y lo que resultó más efectivo, el trabajo con las paredes (ambientación).
Para esta parte obtuve referencias de tres películas principalmente: “Old boy” y “SawII” o "El club de la lucha". Respecto a aspectos más concretos y de carácter práctico, como es la persecución de la profundidad de campo en el espacio o las necesidades dramáticas en el decorado, se desarrollarían en las fases siguientes en el desarrollo del concepto de cada set.

2. Set principal

Una vez definida la línea estética general, el denominador común, me pongo frente a las localizaciones que darán cuerpo a los set de Revenge. Después de estudiar por encima el guión y la relación de la historia con los espacios, observo que existe uno de los set que vincula especialmente a los personajes con la historia. Quizás por el hecho de enmarcarse dentro de la temática de la violencia doméstica, pero el Set de “Casa de Mateo”, es donde dónde ocurre realmente la acción. Empiezo entonces con este set, el hogar de los niños y el padre.

1. SET CASA DE MATEO (A y B)
Cuando digo A y B me refiero a que este set en realidad hace la función de dos set diferentes porque en el guión hay un flashfoward de unos 8 años aproximadamente. A mi me gusta tratar el paso del tiempo de manera especial. Me gusta observar como los espacios pueden transformarse en el tiempo (según qué factores externos) y contar historias diferentes. Por eso estos tratamientos son interesantes. Me detendré en el cambio A-B de set más adelante, durante el apartado del tratamiento del paso del tiempo.


El resultado de este set debería ser, a mi parecer, la suma de varias necesidades: la atmósfera de territorio hostil + tratamiento del paso del tiempo +  el tratamiento del color + las necesidades narrativas de guión + las necesidades de fotografía + simbolismos.

Territorio hostil

Sin olvidar nunca que el director me pedía algo comercial y americano, este espacio tenía que proyectar ante todo un aspecto y aroma pesados y agobiantes. Pensé que este espacio tenía que oler mal a través de la pantalla. Es decir, una representación comercial y americana de un hogar inestable testigo de violencia doméstica. Esta representación la he llamado territorio hostil porque se hace evidente en el espacio que ahí no ocurren cosas agradables. Sin embargo si no hubiera tenido el requisito ‘comercial’, quizás me hubiera gustado intentarlo con un espacio más contradictoriamente aséptico o al menos al margen del estereotipo. Aún así a pesar de que el concepto sea más hollywoodiense que otra cosa, intenté darle un toque personal, que tenga el punto extraño con el que me gustaría encapsular el set. 

Para construir esta atmósfera asfixiante me serví de cuatro factores que iban a jugar un papel en la construcción de este concepto: 1. Uso de los colores verde oscuro , verde- limón y gama de los tierra, 2. atrezzo propio de una casa pocilga (restos de comida, y basura), 3. distribución atípica en el diseño de interiores y ,especialmente, 4. el trabajo con las paredes. 

1. El uso de la gama de colores citada se hace evidente en el decorado. La butaca de mateo entre verde oliva y lima. La alfombra con base amarilla lima y motivos en verde oliva. El cenicero de cristal verde que aparecería en primer término. El papel pintado marrón tierra. Las fundas de los sofás en colores tierra: marrón tierra, verde oliva, rosa palo, amarillo mostaza. El mantel amarillo mostaza. Escritorio verde oscuro y madera. Muebles en madera. Además, la iluminación de fotografía respecto al arte cumplió un papel potenciador de esta constante tonal.

2.    2. Los platos de la cena del día anterior en una mesa sin recoger, cajas de pizzas de días atrás, la basura sin sacar, y sobre todo, botellas de alcohol eran indispensables atrezos para este hogar inestable e insalubre.

3.  3. La distribución atípica de un espacio además poco segmentado contribuye también a crear ese entorno desequilibrado y desorientador. 
    4. El trabajo con las paredes supuso la primera lucha con el presupuesto. En un primer momento quería hacer del salón una lugar muy parecido a la habitación donde es secuestrado durante 15 años el protagonista Dae- su en el film asiático “OldBoy”, otra historia de venganza. El punto fuerte de este primer concepto es el papel pintado con formas geométricas para generar un espacio cargante. Por desgracia no había presupuesto para cubrir los gastos de papel pintado de estas características para el total del set. Por este motivo hubo que buscar un concepto alternativo para las paredes que aunque no fuera el mismo, no restara. 

    Es cierto que cuanto mayor es el presupuesto con menos limitaciones cuentas, el diseño del concepto ideal se convierte en el único objetivo en el trabajo. Pero supone limitaciones según que caso porque entrenarse en el Low-cost desarrolla otras posibilidades que pueden ser muchas veces más interesantes para la atmósfera narrativa requerida para una historia en concreto. Fue entonces cuando mis referencias tomaron otros senderos también interesantes que me permitían desarrollar el concepto con materiales asequibles y con otro concepto menos asiático e igualmente válido. Tomé como referencia las paredes de la casa trampa de “Saw II”.
         Ahora perseguía un set envuelto con papel pintado marrón tierra desgarrado por el tiempo y alimentado con la humedad y las insalubres condiciones de las instalaciones. Aunque con diferente resolución, el concepto de “densidad en el espacio” continuaba siendo el mismo. Pero en lugar de intentarlo a través de las formas geométricas y repetitivas de los fondos, lo perseguiría con la construcción de humedades y desconchados sobre papel pintado marrón.